“Venía de 10 años de trabajo agotador, viajando todo el tiempo. Pasar una semana en casa era algo excepcional, así que estos meses quería entregarme a esa realidad. Pero además, al principio la mezcla de aislamiento y de enfermedad me dejó en un estado de ánimo sin ganas de comunicarme”, cuenta a Efe, tras revelar que él y su pareja, la actriz Leonor Watling, pasaron la COVID-19 de una manera leve.

Drexler (Montevideo, 1964) explica así los casi cuatro meses que, con la excepción del lanzamiento del tema “Codo con codo”, ha estado desaparecido de la vida pública, algo raro teniendo en cuanta que él fue el pionero de un tipo de directo vía “streaming” que se convirtió en la norma durante el encierro preventivo.

“Hicimos los conciertos en Colombia, pero al llegar a Costa Rica el ambiente estaba raro. El 9 de marzo, al leer periódicos españoles, nos dimos cuenta que eso iba a pasar también allí. Así que a mediodía, con el teatro montado, decidimos suspenderlo con todo el dolor de nuestra alma sin tener obligación alguna. Me dio miedo que alguien se contagiara por un concierto mío”, rememora.

El autor de la oscarizada “Al otro lado del río” propuso entonces convertir “un acontecimiento triste como una cancelación en un evento artístico” y retransmitir ante las butacas vacías del Teatro Melico Salazar de San José el ya memorable directo que fue seguido por más de 10.000 personas desde sus casas.

“Tuvo características muy peculiares, que son las que vamos a buscar este domingo, porque los directos de este confinamiento en general han sido informales, muy domésticos. La comunicación estaba priorizada, pero la belleza era la gran ausente”, afirma, no sin razón.

Mañana, a partir de las 19.00 horas, sus redes sociales emitirán de forma gratuita y en riguroso directo un concierto sin público presente pero en diálogo con él. Y, sobre todo, “con un enorme énfasis en el cuidado de los detalles artísticos”, desde un plató con un importante equipo de luces y sonidos como el de la gira y un equipo de realización de vídeo con 6 cámaras.

A la pregunta de si este tipo de experiencias han vuelto a difundir la idea de que la cultura es gratis, Drexler considera que “había que mantener esa llama encendida”.

“Tenemos una profesión con la maravillosa cruz de amar nuestro trabajo, y por ello a menudo cogemos la guitarra sin cobrar, ya sea para eventos solidarios, amigos… Era evidente que un músico que está solo y aislado, y que sabe que su público también lo está, iba a intentar comunicarse con ellos”, argumenta.

Para este evento único ha diseñado un repertorio especial, con una lista de canciones cerrada y un espacio abierto para los gustos del público, que bien podrían inclinarse por sus temas más antiguos (que se remontan al disco “La luz que sabe robar”, de 1992) o por el más reciente y premiado con tres Latin Grammys, “Salvavidas de hielo” (2018).

Lo que tiene claro es que después de este evento especial, producido por Son Estrella Galicia, su cabeza no estará para más conciertos: “Ahora mismo me toca hacer un disco y no una gira”, confirma.

Lo dice tras anticipar a Efe que ha comenzado a trabajar en ese nuevo álbum de estudio desde una perspectiva diferente a como venía haciendo, esto es, incorporando otras miradas a su proceso compositivo, en estos primeros días de andadura con los ojos y oídos de la estrella de la música urbana C. Tangana.

“No sabemos qué vamos a hacer con el material generado, pero tengo muchas ganas de que las canciones surjan desde otro lugar. Me gusta mucho cambiar y tengo ganas de escribir a través de otros ojos”, señala Drexler, antes de pedir cerrar la entrevista con un reconocimiento “orgulloso” a la gestión de la pandemia que ha hecho su país, Uruguay. EFE

El espectáculo se lleva a cabo en el marco de las celebraciones mundiales por el 200° aniversario del estreno de la Sinfonía Nro. 9 “Oda a la Alegría” de Ludwig van Beethoven, monumento sonoro de mayor trascendencia en la historia de la música clásica universal.

La propuesta es dirigida el maestro Luis Szaran, desarrollada junto al coro Ars Canendi de Ciudad del Este, dirigido por Monica Pérez y el coro Purahei Pyahu de la Escuela de Música Herminio Giménez de Ita, bajo la dirección de Bethania Urbieta.

Los solistas de la obra son: María Fe Arzamendia (soprano), Mónica Pérez (mezzo), Rodrigo Pérez (tenor) y Víctor Kunert (barítono). El acceso es libre y gratuito, con registro online, a través de: www.tuti.com.py, sin embargo, se agotaron el pasado fin de semana.

El ciclo está organizado por la Sociedad Filarmónica de Asunción y la Dirección General de Cultura y Turismo de la Municipalidad de Asunción, patrocinado por la Fundación Itaú y Petrobras.

LA OBRA

La sinfonía N° 9, una de entre las obras más importantes en la historia de la música universal es la única sinfonía escrita por Beethoven durante el último período de su arte y de su vida.

Las dimensiones excepcionales de esta partitura, la adjunción a la orquesta de la voz humana y aún el considerable lapso de doce años que la separa de las dos sinfonías anteriores, hacen de ella un mundo aparte en la música beethoveniana.

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AFP / Helen Rowe

A partir del negativo original de 16 mm, la plataforma Disney+ ha logrado realizar esta nueva versión del documental, lanzada el miércoles, con el sonido remasterizado, utilizando la última tecnología de mezclas.

Filmada en enero de 1969, la película del director Michael Lindsay-Hogg contenía momentos de las tensiones y acritud entre John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr que eventualmente los llevaron a disolverse.

“George no podía grabar muchas canciones porque John y Paul eran prolíficamente brillantes”, dijo a AFP Jonathan Clyde, directivo de la productora Apple Corps, fundada por los propios Beatles para ocuparse de sus intereses.

“John había conocido a Yoko (Ono) y estaba haciendo su propio viaje, Paul estaba haciendo lo que quería y Ringo había comenzado a filmar películas”, añadió Clyde.

CONCIERTO DEL TEJADO

La película muestra a los “Fab Four” en los ensayos y sesiones de grabación del álbum “Let It Be”.

La última parte presenta su concierto no anunciado de 40 minutos en el techo del edificio de su compañía discográfica en la calle Savile Row de Londres.

Clyde explicó que la película cubrió un período en el que intentaron reavivar el mismo espíritu que tenían cuando comenzaron a actuar en el Cavern Club de Liverpool y en la ciudad alemana de Hamburgo.

Pero ese intento se vio empañado por la ruptura de la banda en abril de 1970, un mes antes del estreno de la película, convirtiéndola injustamente en una “especie de posdata extraña al final de su carrera”, añadió Clyde.

“Nunca sintieron un gran amor por ‘Let It Be’ porque creo que lo asociaban a todos esos problemas”, explicó Clyde después de la presentación, el martes en Londres, de la película remasterizada.

Más de medio siglo después, la película podrá verse desde una perspectiva más objetiva, como un registro de incalculable valor del proceso creativo de los Beatles.

“Todos sabemos que fueron genios, crearon una música increíble año tras año, pero en realidad también trabajaron increíblemente duro en ello”, dijo el productor.

“Se puede ver que dan dos pasos adelante, o un paso atrás dentro de ese proceso, con días en los que realmente no pasó nada y luego, de repente, aparecía un estallido de energía que lo hacía avanzar”, añadió.

El director de “El señor de los anillos”, Peter Jackson, utilizó unas 60 horas de filmaciones inéditas de aquel documental para su serie de 2021 sobre la realización de “Let It Be”.

UN DOCUMENTAL SOBRE UN DOCUMENTAL

“The Beatles: Get Back”, de Jackson, un documental sobre un documental, ofreció una visión más positiva de los últimos meses de los Beatles juntos usando tomas descartadas para mostrar a los compañeros de banda bromeando juntos mientras creaban clásicos para su duodécimo y último álbum de estudio.

El momento culminante del documental de Lindsay-Hogg, remasterizado en Disney+, es el concierto en la azotea, su última actuación pública juntos.

El periodista y crítico musical John Harris dijo que era una instantánea del Londres de 1969 con oficinistas y transeúntes vestidos con bombines o minifaldas que se detenían en la calle o trepaban a lo alto de los edificios vecinos para tener una buena visión del espontáneo concierto.

“Evoca al Londres de esa época, con tipos de avanzada edad con sombreros y con toda esa gente que subía a los tejados”, explicó.

“Es una imagen icónica. John con su abrigo de piel, Ringo con su impermeable de plástico rojo, Paul con ese hermoso traje negro y George con sus pantalones verdes y sus botas de béisbol. Es todo perfecto”, concluyó.

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El artista se unió con su colega, Sofía Barudi, artista paraguaya residente en Córdoba para traer una obra con un mensaje simple pero poderoso: “Todo va a estar bien”.

El tema inició con una dedicatoria de amor pero terminó siendo un mensaje para quienes estén atravesando por un momento duro: “Todo va a pasar, todo va a estar bien”.

“Al principio, Sofi entró para ayudar en la composición y en el concepto “amoroso” de la misma, pero luego fue tomando fuerza el otro y nos inclinamos por sacar la canción como featuring, para llevar el mensaje lo más lejos posible”, palabras al respecto de Gahete.

“Chica Estrella es esa canción que te acompaña cuando salís a manejar o a caminar para despejar la cabeza”, acota.

En el proceso de producción también participaron Aldo Benítez, Matt Aguilera, Raúl Álvarez y en la masterización el maestro Sergio Cuquejo. La distribución de la canción es de Random Sounds.

El sencillo cuenta además con un video lyric, dirigido por Walt Hermosa.

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